Frühlingstanz

150 x 100 cm

Acrylfarben auf Leinwand

Kunst zu schaffen ist für mich von jeher meine Leidenschaft.

Ein Leben ohne Kunst & Kreativität ob auf Leinwand oder in den Medien und ohne die immer wieder neue faszinierende Aufgabenstellungen und deren Möglichkeiten bei jeder neuen Ausstellung meiner Exponate kann und will ich von jeher nicht mehr verzichten.

MINT
Das Gemälde "MINT", mit seinen beeindruckenden 140 x 100 cm, gehört zu den Arbeiten, die den Betrachter sofort in ihren Bann ziehen.

Es ist ein Werk, das sowohl durch seine Größe als auch durch die Kraft seiner Farben eine unverwechselbare Präsenz besitzt.

Die dominierenden Farbtöne verleihen dem Bild eine frische, beinahe luftige Atmosphäre, die zugleich eine tiefe Ruhe ausstrahlt.
Das Bild selbst ist ein Ausdruck der harmonischen Balance zwischen Dynamik und Stillstand, eine subtile Auseinandersetzung mit Raum und Farbe. Es spiegelt die moderne Ästhetik wider, die oft in der Kunst des unseres 21. Jahrhunderts zu finden ist - eine Mischung aus klarer Formensprache und der Freiheit der künstlerischen Interpretation.

Die Verwendung von Acrylfarben auf Leinwand ist eine bewusste Wahl, um die Strahlkraft, Tiefe der Farben zu maximieren und den Blick des Betrachters immer wieder neu mit seinen Augen zu fesseln.

"MINT" hat seinen Platz in Berlin-Grunewald gefunden, in einer Stadt, die nicht nur als kulturelles Zentrum Deutschlands, sondern auch als Inspirationsquelle für viele Künstler weltweit bekannt ist. In der pulsierenden, kreativen Atmosphäre Berlins fügt sich dieses Werk harmonisch in den urbanen Raum ein und ist ein eindrucksvolles Beispiel für den Dialog zwischen zeitgenössischer Kunst und der modernen Metropole.

Es ist ein Gemälde, das nicht nur durch seine Farben und Formen fasziniert, sondern auch durch die Ruhe und Intensität,

die es in den Raum bringt.

"MINT" ist ein Werk, das über das Visuelle hinausgeht und eine tiefere Bedeutungsebene anspricht - eine Einladung zur Reflexion und zum Innehalten. In seiner Präsenz wird es zu einem Teil des Raumes und der Atmosphäre, in dem es sich befindet, und bleibt dem Betrachter stets in Erinnerung - ich wünsche der der Eigentümerin immer sehr viel Genuss beim Betrachten dieses Werk in ihren Räumen.

Freude - Helligkeit - Licht

Rote Lilie - Feuerlilie

Ich bin von jeher in meinem Leben begeistert von den Farben & der positiven Aussage, die meine Gemälde vermitteln.

"In meinem ganzen Sein bin ich voll Glut und Leidenschaft für Dich. Nicht um mein Leben könnte ich Dich lassen."

Dieses Gemälde, mit den beeindruckenden Maßen von 220 x 150 cm und Acrylfarben auf Leinwand, ist ein Ausdruck meiner tiefen Leidenschaft und Hingabe zur Kunst. Es ist mehr als nur ein Werk; es ist ein Teil von mir, ein Schrei aus der Tiefe meiner Seele, der von unerschütterlicher Hingabe und Energie spricht.

Im Jahr 1990 stellte ich für mich die Weichen, den Weg in die Kunst zu gehen. Seither sind unendlich von Jahre mehr vergangen - ein Zeit voller Entdeckungen, Herausforderungen und kontinuierlichem Wachstum. Doch trotz der Jahre, die ins Land gezogen sind, fühle ich mich noch immer genauso aufgeregt und fasziniert wie am ersten Tag, wenn ich mit jedem Pinselstrich die Leinwand erobere. Mit jedem Schwung, oft mit breitem Duktus und voller Energie, bringe ich meine Gedanken und Emotionen zum Leben.

Es ist ein wahres Geschenk, ein solch schönes Kompliment zu erhalten wie dieses:

"Faszinierend vor Staunen, eine Ausstrahlung, dass einem die Worte fehlen."

- Birgit Klapf

Dankeschön!

Es erfüllt mich mit Freude, wenn meine Werke Menschen berühren und ihnen eine neue Perspektive eröffnen. Diese Worte spiegeln das wider, was mich in meiner Kunst antreibt: die Leidenschaft und die unaufhörliche Suche nach Ausdruck und Tiefe, die sich in jedem Bild manifestiert.

Wüstensand - Ein Kunstwerk, das die Seele berührt

Nach einem unvergesslichen Besuch in der Wüste Ägyptens im Jahr 2006 entstand das beeindruckende Gemälde "Wüstensand", ein großformatiges Kunstwerk, das die unendliche Weite und die geheimnisvolle Schönheit der Wüste in einem faszinierenden Bild einfängt.

Die Farben, die ich als Kunstschaffender wählte, sind von einer warmen, goldenen Anmutung, die an das helle, fast blendende Licht erinnert, das die endlosen Sanddünen im ägyptischen Wüstensonnenlicht erstrahlen lässt.

Die goldenen Töne scheinen zu leuchten und erzeugen die Illusion von Wärme und Tiefe, als ob der Betrachter das Gefühl hätte, selbst inmitten der Wüste zu stehen, von den heißen Sandwellen umgeben.

Die Struktur des Gemäldes, der Untergrund und die Farbverläufe lassen eine Landschaft aus der Vogelperspektive erkennen - eine weite, leere Ebene aus Sanddünen, die sich wie ein endloser Teppich bis zum Horizont ausbreiten. Ich möchte es gelingen lassen, den Betrachter in diese Weite zu entführen, als ob er selbst über die Oberfläche der Wüste fliegt, den Sand in seiner Unendlichkeit betrachtend, in einer Mischung aus Ehrfurcht und Staunen.

Es ist ein Bild, das sowohl die Ruhe als auch die Kraft der Wüste widerspiegelt, eine Landschaft, die zugleich dynamisch und beruhigend wirkt, voller Leben und zugleich von unermesslicher Stille. Besonders beeindruckend wird "Wüstensand", wenn es in einem Raum präsentiert wird, dessen Wände in einem dunklen Anthrazit-Ton gestrichen sind. Der Kontrast zwischen dem tiefen Grau der Wand und den goldenen Nuancen des Gemäldes verstärkt die visuelle Wirkung des Bildes auf eindrucksvolle Weise. Die dunkle Wandfarbe hebt das Bild hervor und lässt es förmlich in den Raum strahlen, wodurch "Wüstensand" zu einem zentralen visuellen Punkt wird. Es wirkt wie ein lebendiger Ausgangspunkt, der den Raum mit einer ruhigen, kraftvollen Präsenz erfüllt.

Das Gemälde wird dadurch nicht nur zu einem Kunstwerk, sondern zu einem Erlebnis, das den Raum mit einer besonderen Atmosphäre durchzieht. Die goldenen Farbtöne erinnern an das Sonnenlicht, das den Sand in der Wüste durchdringt und ihm Leben verleiht. Es bringt die Weite und die Mystik der Wüste in den Raum und schafft einen Ort der Stille und Besinnung. In einem antrazit gestrichenen Raum wird "Wüstensand" zu einem kraftvollen visuellen Zentrum, das die Dynamik der Wüste in sich trägt und zugleich eine warme, einladende Ruhe ausstrahlt - wie ich dies empfinde.

Asuam Staudam

"Asuam Staudam", ein Gemälde, das 2004 entstanden ist, zeigt, wie ich diese Symbolik in meine Arbeit einfließen lasse. Es misst 100 x 80 cm und wurde in Acrylfarben gemalt. Heute befindet sich dieses Werk im Privatbesitz in Leonberg.

Bei der Auswahl der Farben und Materialien wollte ich nicht nur eine optische Wirkung erzielen, sondern auch eine tiefere Bedeutung schaffen. Die goldenen und silbernen Elemente im Bild sind bewusst als Metaphern gewählt. Sie stellen die Funktion eines Staudamms dar, der Wasser kanalisiert und es in eine sonst trockene Landschaft bringt, um das Land zu versorgen.

Die Darstellung der "Schraube" im Bild ist dabei besonders spannend.

Ich habe bewusst den Schraubenkopf als Symbol eingeführt, um die Funktionsweise des Staudamms zu andeuten. Sie ist kein zentrales Element, sondern eine subtile Anspielung auf den Mechanismus, der hinter der Lebensspendenden Kraft des Staudamms steckt. Um diese Schraube herum breiten sich sandfarbene Flächen aus, die das Land symbolisieren, das durch den Damm mit Wasser versorgt werden soll. Diese sandfarbenen Bereiche erinnern an die Weite der Wüste und die lebensnotwendige Kraft des Wassers, das dem Land neues Leben einhaucht. Für mich ist "Asuam Staudam" mehr als nur ein Gemälde. Es ist eine Reflexion über den Eingriff des Menschen in die Natur und die Verantwortung, die mit der Kontrolle über lebenswichtige Ressourcen wie Wasser verbunden ist.

Durch die Wahl von Gold und Silber als Schmuckfarben, die eine historische Bedeutung tragen, und durch die Darstellung des Staudamms als Symbol für den menschlichen Einfluss auf die Natur, wollte ich die Bedeutung von Technologie und die Beziehung zwischen Mensch und Umwelt thematisieren.

In meinen Augen spiegelt dieses Gemälde die Komplexität wider, mit der der Mensch in die Natur eingreift, sie verändert und dabei eine Balance zwischen Fortschritt und Verantwortung finden muss. Es ist ein Bild, das nicht nur die Augen, sondern auch den Geist des Betrachters anregt und zum Nachdenken über die Auswirkungen unseres Handelns anregt.

„The Power of Love“

Ein Gemälde das so wie Sie es heute sehen können in verschiedenen Schichten entstanden ist.
Für mich selbst hatte es schon im Jahre 2007 seinen Namen „The Power of Love“

Ein beeindruckendes Kunstwerk, das in seiner Größe und Ausdruckskraft zu berühren weiß.

Mit den Maßen 140 x 140 cm und der kraftvollen Kombination aus Acrylfarben auf Leinwand bringt es die Intensität und die Vielschichtigkeit der Liebe auf eine ganz besondere Weise zum Leben. Die Farben fließen in harmonischen, aber auch dramatischen Bewegungen, was dem Betrachter eine emotionale Tiefe vermittelt.

Das Original ist im Privatbesitz und befindet sich in unmittelbarer Nähe zur imposanten Burg Hohenzollern – ein Ort, der ebenso von Geschichte und Leidenschaft durchzogen ist wie das Werk selbst. Es ist mehr als nur ein Gemälde; es ist eine Einladung, über die transformierende Kraft der Liebe nachzudenken und die eigene Verbindung zu dieser universellen Energie zu entdecken.

Im Frühling 2024 entstand dieses Gemälde als eine Hommage an den deutschen Expressionisten August Macke, 100 Jahre nach seinem Tod. Inspiriert von Mackes einzigartigem Umgang mit Farbe und Form sowie seiner Fähigkeit, die Emotionen und die Atmosphäre des Moments einzufangen, wollte ich ein Werk schaffen, das sowohl seine künstlerische Vision als auch meine eigene zeitgenössische Perspektive widerspiegelt.

Macke, der zu den führenden Vertretern der expressionistischen Bewegung gehörte, prägte mit seinen lebendigen Kompositionen und der einfühlsamen Darstellung des Alltagslebens eine ganze Epoche der Kunstgeschichte.

In diesem Werk verarbeitete ich nicht nur seine Farbintensität und seine poetische Bildsprache, sondern stellte zugleich eine zeitliche Brücke zwischen den Jahren 1924 und 2024 her. Die Wahl der Farben, die fließenden Formen und die abstrakten Elemente sind bewusst gewählt, um an die zeitlose Frische und Klarheit von Mackes Arbeiten zu erinnern, während sie gleichzeitig den eigenen Ausdruck der Gegenwart zulassen.

Das Gemälde fand schließlich seinen Weg in die Sammlung eines Kunstsammlers aus Kandern im Schwarzwald, einem Ort, der eng mit der Kunstszene der Expressionisten verbunden ist.

Kandern war so nicht nur ein Treffpunkt für bedeutende Künstler jener Zeit, sondern auch ein Zentrum für den Austausch und die Bewahrung der Kunstgeschichte.

Die Entscheidung des Sammlers, dieses Werk in seine Sammlung aufzunehmen, stellt eine bedeutende Anerkennung meiner Auseinandersetzung mit Mackes Erbe dar. Es ist eine symbolische Verbindung zwischen der historischen Kunsttradition und der zeitgenössischen Kunstproduktion, die in dieser Region seit Jahrhunderten gepflegt wird.

Goldenes Rom – Ein stimmungsvolles Meisterwerk

„Goldenes Rom“ ist für mich ein stimmungsvolles Gemälde, das die faszinierende Atmosphäre der antiken Stadt Rom in all ihrer Pracht für mich einfängt. Mit seinen warmen, goldenen Tönen vermittelt es nicht nur den Glanz des römischen Imperiums, sondern auch eine tiefere, fast mystische Verbindung zu einer vergangenen Ära, die auch heute noch lebendig wirkt.

Das Gemälde, im Privatbesitz in Basel gehütet, lädt den Betrachter zu einer Reise durch die Geschichte ein. Es fängt die zeitlose Schönheit der „Ewigen Stadt“ ein und bringt ihre monumentale Architektur sowie ihre kulturellen Höhepunkte in einem einzigartigen Licht zur Geltung. Die goldenen Farbtöne, die das Bild durchziehen, verleihen ihm eine besondere Tiefe und Symbolik – sie stehen für den Reichtum und die Unvergänglichkeit Roms, dessen Einfluss auf die westliche Zivilisation bis heute spürbar ist.

„Goldenes Rom“ ist mehr als nur ein visuelles Werk – es ist eine emotionale Reise in eine Welt, die von Ruhm und Geschichte geprägt war, und gleichzeitig ein stiller Zeuge der ewigen Kraft der Kunst, die über Jahrhunderte hinweg ihre Faszination bewahrt. 

Dieses Kunstwerk, geschaffen im Jahr 2022, ist eine Hommage an das Land Sbaiglio – jenes fruchtbare Stück Erde, auf dem unsere Olivenbäume gedeihen.



Mit feinem Gespür für Farbe und Form fängt das Gemälde die Seele dieser Landschaft ein – ihre Ruhe, ihre Kraft, und den mediterranen Zauber, der jede Ernte begleitet.

Heute befindet sich dieses Werk in liebevoller Obhut eines privaten Besitzers in der Toskana – dort, wo Kunst und Natur in einzigartiger Harmonie aufeinandertreffen.

www.sbaiglio.com

FIRST

Das Gemälde regt zum Nachsinnen an, fordert den Betrachter auf, in die Tiefe der Farben und Formen einzutauchen. Es lädt ein, über die Symbolik und die stillen Geschichten nachzudenken, die in jeder Pinselstrich und Farbnuance verborgen sind. Die intensiven Kontraste und harmonischen Übergänge sprechen eine eigene Sprache, die Raum für persönliche Interpretation lässt.

FIRST

120 x 120 cm

Acrylfarben auf Leinwand

Dieses Werk befindet sich im Privatbesitz der Firma Eurofins in der Schweiz. Es hat dort einen besonderen Platz gefunden und ist Teil einer Sammlung, die nicht nur durch ihre ästhetische Bedeutung besticht, sondern auch durch die Werte und Visionen des Unternehmens, das das Kunstwerk als Ausdruck von Kreativität und Innovation schätzt.

"TORSO `97“ – eine Buchenholzskulptur, die ich 1997 aus einem Fundstück mit den Maßen von etwa 90 x 30 x 40 cm geschaffen habe.

Unermüdlich habe ich dieses Werk über Wochen hinweg immer wieder mit der Flex, Schleifgeräten & von Hand geschliffen, um die subtile Schönheit und Form des Holzstückes zum Leben zu erwecken - ich selbst sah damals aus als wäre ich von den Farben des Holz her - zu einer Mumie geworden.

Dabei war mir zu Beginn nicht bewusst, dass der Schleifstaub von Buchenholz krebserregend ist. Erst als ich das Kunstwerk zum Abschluss mit kaltgepresstem Leinöl versiegelte, erzählte mir ein Freund, der Förster ist, von dieser Gefahr - danke Dieter!

„TORSO `97“ ist für mich eine Skulptur, die durch die gezielte Bearbeitung des Holzes eine eigene, fast lebendig anmutende Präsenz gewonnen hat. Die klare, dennoch rohe Struktur des Buchenholzes lässt sowohl die kraftvolle Wirkung des Materials als auch meine Präzision in der Bearbeitung erkennen.

Es ist ein Werk, das nicht nur die physische Form des Holzes, sondern auch die tiefe Auseinandersetzung mit diesem Material widerspiegelt.

Heute steht „TORSO `97“ in einer Sammlung in der Nähe von Leonberg, wo es weiterhin als Ausdruck der Verbindung von Natur, Kunstfertigkeit und der Hingabe an mein Handwerk bewundert wird.

Heulender Hund beim Stierkampf

2006

140 x 160 cm

Acrylfarben auf Leinwand

Dieses kraftvolle Werk, das mit seinen intensiven Farben und der emotionalen Intensität fesselt, gehört heute zur Sammlung der Gemeinde Weissach in Württemberg.

Es spiegelt auf einzigartige Weise eine Szenerie wider, die sowohl Drama als auch eine gewisse Melancholie in sich trägt – ein Moment, der im Spannungsfeld zwischen Leben und Tod, Freiheit und Gefangenschaft, eingefangen wird.

Wie ich finde ein faszinierendes Bild, das den Betrachter immer wieder in seinen Bann zieht und zum Nachdenken anregt.

Notte di stelle cadenti

250 x 225 cm

Acrylfarben auf Leinwand

Dieses Gemälde befindet sich im Privatbesitz in Basel.

Steffen Maria Ost

www.steffen-maria-ost.com/blog

SOMMERATELIER

VERSION 24

Gelbgoldener Sonnenaufgang

Ein strahlend gelb-goldener Sonnenaufgang, der die Leinwand förmlich erleuchtet – so könnte man dieses Werk beschreiben.

Mit einer Mischung aus sanften und lebhaften Tönen fängt es das magische Spiel von Licht und Farbe auf grüner Ebene ein, das den Beginn eines neuen Tages widerspiegelt.

Das Original in voller Pracht können Sie in der Galerie Ost in Brombach im Dreiländereck bewundern, in der die Farben in ihrer vollen Intensität wirken und die Leinwand mit Leben füllen.

Das Gemälde im Format 120 x 100 cm lädt dazu ein, in die Ruhe und Energie eines Sommermorgens einzutauchen.

LOGO - SIGATUR

Das Gemälde SIGNATUR wurde im Jahr 1997 geschaffen und zählt für mich zu einem meiner Frühwerken.

Es entstand auf schweren, alten Eichenholzdielen, die in ihrer Struktur und Beschaffenheit eine besondere, fast historische Tiefe besitzen. Diese Dielen bildeten die Grundlage für die kreative Auseinandersetzung mit Farben und Materialien.

Ich verwendete damals verschiedene Acryllacke, die in lebendigen und teils kontrastreichen Schichten aufgetragen wurden, um die Fläche des Bildes zu gestalten. Mit den Jahren haben diese Materialien eine gewisse Patina entwickelt, die dem Werk eine zusätzliche Dimension verleiht – nicht nur im optischen, sondern auch im haptischen Sinne.

Das Bild misst stolze 220 x 110 cm und nimmt damit eine imposante Größe ein, die die Intensität und die Tiefe meiner damaligen künstlerischen Ausdruckskraft widerspiegelt. Interessanterweise war es zu jener Zeit noch nicht üblich, dass ich meine Werke mit einer Signatur mit meiner Unterschrift versah. Die Gewohnheit, meine Unterschrift als Markenzeichen zu verwenden, war noch nicht entstanden.

Stattdessen spiegelt das Werk eine Phase wider, in der mein Logo – das später zu einem zentralen Bestandteil meiner Identität als Künstler werden sollte – sich gerade erst zu entwickeln begann. Es war ein Moment des Übergangs, in dem mein künstlerisches Selbstverständnis und die Formensprache, die sich darin manifestierte, auf neue Weise zum Leben erweckt wurden.

In gewisser Weise steht SIGNATUR somit nicht nur für das Bild selbst, sondern auch für einen Wendepunkt in meiner künstlerischen Reise, in dem meine Werke begannen, die eigene Identität und ein wiedererkennbares Element zu tragen, das mich bis heute begleitet.

Mein LOGO finden Sie im Gemälde unten rechts.

Im März 1996, fast ein Jahr zuvor, war ich noch tief in einer experimentellen Phase meiner Kunstproduktion. Es war die Zeit, in der ich begann, mich mit neuen Materialien und Techniken auseinanderzusetzen, die schließlich den Weg für Werke wie SIGNATUR ebneten. Die Entwicklung meiner künstlerischen Sprache fand in dieser Periode statt, die mich auf das vorbereitete, was 1997 schließlich in diesem Bild Ausdruck fand.

Es werden von mir auch Kundenwünsche bis in die Hauptstadt BERLIN erfüllt

In meiner Tätigkeit als Keramikkünstler erfülle ich mit großer Freude nicht nur lokale Wünsche, sondern gehe weit über die regionalen Grenzen hinaus, indem ich individuelle Kundenwünsche im gemeinsamen Gespräch bis in die Hauptstadt Berlin realisiere.

Diese besondere Dienstleistung spiegelt den wachsenden Trend wider, Kunstwerke und handgefertigte Gegenstände nicht nur in der direkten Umgebung, sondern auch in entfernteren Städten und Regionen zu verbreiten. Besonders in den letzten Jahren ist der Zugang zu Kunst und handwerklichen Produkten aus kleinen Ateliers zunehmend gefragt, was mir die Möglichkeit gibt, mit Menschen aus unterschiedlichen Teilen Deutschlands immer in Kontakt zu treten und deren Wünsche in meinem Stile kreativ umzusetzen.

Die Arbeit in meinem Sommeratelier in der Toskana hat für mich eine ganz besondere Bedeutung. In dieser inspirierenden Umgebung, umgeben von der sanften italienischen Landschaft, erlebe ich einen kreativen Prozess, der von der ersten Idee bis hin zum fertigen Kunstwerk reicht. In meinem Atelier finde ich den Raum und die Ruhe, um Skizzen zu entwickeln, diese auf die Keramiken zu übertragen und die Kunstwerke mit den leuchtenden Farben zum Leben zu erwecken.

Der ganze Prozess – vom Entwurf bis zur Vollendung – ist für mich eine Reise, die es mir ermöglicht, die Schönheit der Natur und die Tradition der Toskana in meinen Arbeiten einzufangen. Die Farben auf den Keramiktellern strahlen schließlich von der Wand, als ob sie das Licht der toskanischen Sonne einfangen, und verleihen jedem Raum eine besondere Atmosphäre.

Diese Kombination aus handwerklichem Können, historischem Kontext und dem Streben nach meiner künstlerischer Perfektion macht meine Arbeit einzigartig. Sie verbindet nicht nur die alte Kunstfertigkeit der Keramikherstellung mit modernen, individuellen Wünschen, sondern auch geografische und kulturelle Grenzen, wodurch ein Stück Toskana und meiner kreativen Welt in jede Ecke Deutschlands & die Welt getragen wird.



Die Fertigstellung eines modernen Keramiktellers in meiner Werkstatt ist ein kunsthandwerklicher Prozess, der, von der ersten Skizze bis hin zur sicheren Lieferung, bis zu acht Wochen in Anspruch nehmen kann. Diese Dauer ist nicht nur Ausdruck des hohen Qualitätsanspruchs, den ich an meine Arbeit stelle, sondern auch der präzisen Technik, die hinter jedem einzelnen Arbeitsschritt steckt. Es ist ein Prozess, der sowohl in der Tradition der Keramikkunst als auch durch moderne Herstellungsverfahren tief verwurzelt ist.

Die Technik, die für die Gestaltung und Herstellung der Teller verwendet wird, erfordert eine sorgfältige Auswahl und Verarbeitung der Materialien, das Handhaben des Rohtons und das präzise Formen der Objekte. Auch die Glasur und die Brenntechniken müssen mit höchster Sorgfalt durchgeführt werden, da jede dieser Phasen entscheidend für das endgültige strahlende Ergebnis der Farben ist.

Vom ersten Entwurf, bei dem die Formen und Farben festgelegt werden, bis hin zum letzten Brennvorgang, bei dem die Farben zum Leben erweckt werden, verlangt jede einzelne Phase ihre eigene Zeit und Aufmerksamkeit. In jeder dieser Etappen wird das Kunstwerk immer mehr zu einer Einheit aus Form und Farbe, die schließlich in den fertigen Teller mündet.

Besonders die sicheren Lieferungen und das Verhindern von Transportschäden spielen eine bedeutende Rolle in der Endphase des Herstellungsprozesses. Der Transport von Keramik ist aufgrund der Zerbrechlichkeit der Kunstwerke eine Herausforderung, die mit höchster Präzision und Vorsicht gemeistert wird. Auch dieser Aspekt – der sichere Versand – erfordert einen umfassenden Aufwand, der ebenso zur Gesamtdauer des Projekts beiträgt.

Die Entstehung eines Keramiktellers ist daher mehr als nur die Kombination von Technik und Material. Es ist ein feiner Balanceakt zwischen traditioneller Handwerkskunst und moderner Logistik, der den künstlerischen Wert jedes Stückes unterstreicht und ihm eine Geschichte von Hingabe und Präzision verleiht.